Les “Années folles”, Brooklyn et la “Rhapsody in Blue” de George Gershwin

Né en 1898 à Broadway, George Gershwin, de son nom de naissance Jacob Gershowitz, fut l’un des maîtres de la musique mêlant le style classique, populaire ainsi que celui du jazz. Il possède également des talents pour la peinture, la danse et discutait de littérature et de poésie.

Il est le cadet d’une famille juive immigrée de Saint-Pétersbourg. Avec son grand frère Ira, parolier, ils travaillèrent ensemble pour l’écriture des textes de ses musiques et comédies musicales.

Ayant commencé à prendre des leçons de piano à 10 ans avec Charles Hambitzer, il se détourna  de l’école à l’âge de 15 ans pour travailler comme interprète  chez Remick and Company, une maison d’éditions. Durant cette période, il développa sa technique personnelle.

Son premier succès fut celui avec Swanee en 1919, avec un enregistrement avec Al Jolson, et fut vendu à deux millions d’exemplaires.

Sa vie l’emmena à rencontrer Maurice Ravel en 1928 afin d’espérer d’apprendre la composition en sa compagnie. Celui-ci lui répondit : « S’il est vrai que vous gagnez des centaines de milliers de dollars avec vos chansons, c’est plutôt à vous de me donner des leçons !»

D’autres compositeurs furent étudiés tels que Berg, Debussy, Stravinsky, Chostakovitch et Schönberg dont il était partenaire au tennis et qui lui peigna un autoportrait.

Gershwin s’installa à Hollywood pour participer à la création de la musique du film Shall We Dance?, avec son frère Ira. Après avoir eu quelques sauts d’humeur et être tomber dans le coma, un diagnostic signala une tumeur cérébrale et il mourut avant 39 ans en 1937.

Son héritage musical nous laisse des œuvres telles que Un Américain à Paris, Porgy and Bess avec son fameux Summer Time, et sa Seconde Rhapsody Variations sur « I Got Rythm ».

Focalisons-nous maintenant sur la Rhaspody in Blue, première grande œuvre du jazz symphonique.

Suite à un article Qu’est-ce que la musique américaine ?, paru dans le New York Tribune du 4 janvier 1924, Ira Gershwin découvrit que son frère serait le compositeur d’un concerto commandé par le chef d’orchestre Paul Whiteman, dit Pops. Ce concerto devait se jouer en février 1924 à New York à l’Aeolian Hall.

Ne lui restant que cinq semaines, Gershwin accepta finalement de composer malgré l’échec de son premier opéra jazz Blue Monday. Les premières idées de thème lui viennent à l’esprit dans un train entre New York et Boston. Ecrite initialement pour deux pianos, Ferde GROFE, compositeur et pianiste américain, orchestra le concerto par divers arrangements. La première eu lieu le 12 février 1924 à New York sous le titre An Experiment in Modern Music.

La structure de ce morceau diffère de celle du concerto qui est décliné en trois parties tandis que la rhapsody fait référence à une pièce de forme libre, avec des thèmes populaires, écrite ici en une seule partie. D’autres rhapsodies sont célèbres telles que les « Rhapsodies hongroises » de Liszt.

L’introduction mythique avec ce fameux glissando à la clarinette qui fait référence au Klezmer, joué à une répétition par Ross Gorman, fut tout de suite accepté par Gershwin qui modifia la partition originale.

Six grands thèmes se succèdent dans plusieurs parties qui peuvent être:

A – B – A – C -A / C – A – C – A – A / D – B – B – B – E – A / E – E – E / F – F – F – F / B – A – C

Le thème A (du refrain) est ainsi amené à la clarinette accompagné des cors et trombones. Il sera repris plusieurs fois par les trompettes avec des sourdines wah-wah, le piano et l’orchestre, et en piano solo.

Le thème B (de la marche) joué par les trombones au tout départ puis à la clarinette solo au milieu de la pièce, à l’orchestre ainsi qu’au piano solo. Il est repris au final par une annonce d’une montée chromatique allegro et crescendo, un mouvement de caisse claire et un accord dissonant des cuivres.

Le thème C est principalement repris au piano à l’exception du final où l’orchestre le joue ensemble.

Le thème D (du train ) est amené initialement par un Flatterzunge à la trompette, qui est un mouvement rapide de la langue sur  l’instrument.

Le thème E (du shuffle) à l’orchestre en chant puis en piano solo, d’abord dans un tempo lento puis rubato, et dans le registre grave jusqu’à une accélération qui montera dans les aigus pour se terminer dans le calme.

Le thème F (de l’amour) représente l’accalmie dans cette musique riche en rebondissements avec les diverses modulations des thèmes, les rythmes, les fragmentations, les coupures, les tempos, la virtuosité et les orchestrations changeantes.

Plusieurs versions seront proposées et celle de 1942 sera la version la plus interprétée de nos jours.

Quelques grandes interprétations connues:

Herbie Hancock et Gustavo Dudamel / Leonard Bernstein / James Levine / Louis Ortie et Charles Dutoit / Oscar Levant et Eugene Ormandy

Deux versions ont été enregistrées entre Gershwin et Whiteman en 1924 et 1927.

George écrivait pour les pieds disait Fred Astaire, grand danseur, acteur, magicien et compositeur connaissant bien les frères Gershwin.

 

Photo de couverture : Jacob Gershowitz, dit George Gershwin, et son frère aîné Ira qui fut son parolier.

Mise en page : B. de Foucauld.